A Frieze New York, ho parlato con Dakyung Lee della G-Gallery di Seul a proposito della loro presentazione di Yehwan Song, un’artista che vive a New York, la cui presenza in fiera è stata evidenziata da numerose pubblicazioni di settore. Ho avuto anche una breve conversazione con la stessa Yehwan Song.

Nina: In quanto una delle gallerie contemporanee più importanti della Corea del Sud, perché pensate che sia ancora importante partecipare a Frieze New York?

G-Gallery: Sono poche le gallerie coreane che partecipano a Frieze New York, e G Gallery è onorata di essere l’unica galleria coreana selezionata per la sezione Focus del 2025. Questa opportunità è particolarmente significativa per noi, poiché abbiamo lavorato costantemente per costruire una base che cresca insieme agli artisti coreani, da un contesto locale verso un coinvolgimento internazionale. Partecipare a una piattaforma di influenza globale come Frieze New York ci consente di mettere in luce i successi artistici degli artisti coreani e la visione più ampia della nostra galleria. È anche un’occasione significativa per ridefinire la posizione dell’arte coreana contemporanea nel panorama globale. Presentando Yehwan Song, vogliamo introdurre la forza e la sensibilità uniche dell’arte coreana contemporanea, contribuendo alla diversità culturale e al discorso estetico del mondo dell’arte internazionale.

Nina: Cosa ha influenzato la vostra decisione di presentare proprio Yehwan Song invece di un altro artista in fiera?

G-Gallery: Frieze New York, in particolare nella sezione Focus, è conosciuta per presentare pratiche sperimentali ed energiche di artisti emergenti, e noi di G Gallery crediamo  sia una piattaforma vitale per partecipare al discorso sull’arte contemporanea internazionale. La sezione Focus, che mette in evidenza voci all’avanguardia nell’arte contemporanea, si allinea perfettamente con la nostra direzione curatoriale — e in particolare con la pratica di Yehwan Song. Il lavoro di Song analizza i meccanismi del disagio e del controllo insiti nei fenomeni digitali — un ambiente spesso percepito come illimitato e privo di restrizioni. Così come incontriamo barriere invisibili online, vincoli simili plasmano anche la nostra esperienza del mondo fisico. La sua esplorazione di questi temi è al tempo stesso attuale e di risonanza globale.

Ciò che rende la sua pratica particolarmente coinvolgente è il modo in cui traduce queste idee critiche in forme visive potenti utilizzando strutture modulari, codifica e video mapping. Il suo lavoro è tecnicamente sofisticato, concettualmente ricco e emotivamente incisivo. In G Gallery, riteniamo parte centrale della nostra missione portare le prospettive affilate degli artisti su temi contemporanei urgenti sul palcoscenico dell’arte globale.

Nina: Nella tua pratica poni gli schermi al centro delle nostre vite — è questo il futuro che immagini, e se sì, quale sarà la natura della connessione umana attraverso l’arte in un futuro così digitale?

Yehwan Song: Penso che l’interazione basata sugli schermi definirà gran parte del nostro futuro. La connessione umana nasce dalla nostra solitudine — siamo esseri separati, ma cerchiamo costantemente di connetterci. È da lì che è nato Internet: dal desiderio di colmare quella distanza. In un futuro digitale, la connessione potrà diventare più fugace, anonima o frammentata — ma il desiderio rimane. Attraverso l’arte, esploro come gli schermi possano al contempo dividerci e unirci, e come la connessione possa ancora emergere in quegli spazi mediati, fragili.

Alla Independent Art Fair, ho conversato con Kyle Penner, membro del team curatoriale di Independent.

Nina: La componente curatoriale è parte integrante della vostra fiera, grazie a una selezione attenta delle opere in mostra. Pensi che la curatela sia importante nel formato di una fiera d’arte, o rischia di perdersi nella moltitudine di presentazioni e prospettive artistiche? E qual è la direzione curatoriale per il 2025?

Kyle Penner: Independent ha mantenuto una rigorosità curatoriale fin dalla sua nascita nel 2010 come alternativa alla fiera d’arte tradizionale. Questo è dovuto in gran parte al suo modello su invito, in contrasto con un processo di candidatura più aperto, in cui le gallerie vengono nominate per partecipare con un progetto d’artista scelto dal team curatoriale. L’approccio centrato sull’artista di Independent predilige presentazioni singole o a due voci e porta a una gamma diversificata di prospettive presentate in dialogo tra loro. Questo contesto è parte cruciale nello sviluppo del mercato di un artista e nella costruzione di un consenso tra i nostri collezionisti newyorkesi. 

Per l’edizione in arrivo, questa direzione curatoriale proseguirà con una lineup internazionale di 85 presentazioni, di cui l’87% sono mostre personali. Questo include un gruppo di artisti emergenti all’interno di Independent Debuts, ma anche vari progetti personali di artisti già affermati. In particolare, Mitchell-Innes & Nash presenteranno opere inedite di Pope.L, la sua prima mostra a New York dalla sua scomparsa nel 2023, e Vistamare presenterà un’installazione site-specific di Rosa Barba, che avrà anche una mostra personale al MoMA in apertura questa settimana.

Nina: Independent Debuts è una novità del 2025. Cosa vi ha spinti ad aggiungere questo nuovo concetto alle sezioni già esistenti? In cosa si distingue dalla parte principale della fiera?

Kyle Penner: Independent Debuts è una nuova iniziativa curatoriale che mette in luce presentazioni personali di artisti al loro debutto a New York tramite Independent. Non è una sezione separata, ma una selezione di 26 progetti artistici distribuiti sui quattro piani della fiera.

Il concetto nasce dal 15º anniversario di Independent lo scorso maggio, durante il quale abbiamo organizzato una mostra speciale intitolata 15x15: Independent 2010–2024. L’esposizione ha evidenziato artisti che hanno avuto presentazioni significative con noi, da Alice Mackler (debutto con Kerry Schuss nel 2014) a Ruby Neri (con David Kordansky nel 2018) e molti altri. Sostenere talenti emergenti è centrale nella missione di Independent come piattaforma. Con questo spirito, invece di guardare al passato, il team curatoriale ha deciso di usare la 16ª edizione per guardare al futuro, focalizzandosi su queste nuove voci emergenti.

A Esther II, situata nello storico Estonian House sulla East 34th Street, ho parlato con Mathieu Borysevicz, fondatore della BANK MAB SOCIETY, galleria con sede a Shanghai e New York che promuove scambi intra- e interculturali.

Nina: Chi è l’artista che presentate a Esther II quest’anno, e perché questa scelta specifica?

Mathieu Borysevicz: Quest’anno presentiamo il lavoro di Wen Jue, con sede a Shanghai, il più giovane artista della nostra scuderia. Nato nel 2001, realizza dipinti strani e stravaganti, solitamente di grandi dimensioni e così impastati da sembrare sculture. Per Esther presentiamo una selezione dei suoi lavori in miniatura. Abbiamo deciso per una personale di Wen Jue:

1. per l’economia degli spazi di Esther;

2. per introdurre un giovane artista in maniera più completa;

3. perché le opere di Wen Jue sono qualcosa che non si è mai visto prima; e infine

4. perché stiamo gettando le basi per la sua personale da BANK NYC a giugno.

Nina: Quali sono i vantaggi e svantaggi nel partecipare a fiere d’arte boutique come Esther, dove siete presenti per il secondo anno consecutivo?

Mathieu Borysevicz: In generale penso che le persone siano stanche delle fiere “big box”. Per quanto a volte siano un male necessario, è sempre lo stesso formato prevedibile, con gli stessi attori e contenuti. Le fiere più piccole come Esther offrono scoperta, sorpresa e fascino. Sono più esperienziali per quanto riguarda architettura, curatela e spirito. Sono anche un investimento ragionevole, giustificabile, e nascono da una comunità più calda e accessibile. Non vedo davvero svantaggi nel partecipare a una fiera come Esther. Certo, succedono moltissime cose durante la settimana dell’arte a NYC, ma vedo solo aspetti positivi nell’esserci.

Infine, alla Future Fair, ho potuto parlare con le fondatrici Rachel Mijareck Fick e Rebecca Laliberte.

Nina: Future Fair 2025 è alla sua quinta edizione – quali sono state le principali sfide nell'affermarvi in un mercato già saturo come quello newyorkese?

Rachel Mijareck Fick e Rebecca Laliberte: Future Fair è nata proprio mentre scoppiava la pandemia, quindi il primo ostacolo è stato passare a un formato digitale e costruire una comunità online prima di poter tenere un evento in presenza. È stata certamente una sfida, ma anche un periodo pieno di entusiasmo e opportunità. Abbiamo innovato nella comunicazione digitale, gettando le basi per la voce della fiera.

Il nostro approccio è duplice: manteniamo la fiera altamente curata e collaborativa, e investiamo in storytelling e contenuti per connettere visitatori, artisti e gallerie. Costruendo un brand autentico — sia online che dal vivo — abbiamo creato un ambiente accogliente che attrae sia i veterani del mondo dell’arte che una nuova generazione di collezionisti. Queste strategie hanno aiutato Future Fair a distinguersi e a creare una comunità solidale e coinvolta in un mercato molto competitivo.

Volevamo creare una mostra di alta qualità, lavorando con fornitori affidabili del settore, pur offrendo accesso a giovani gallerie emergenti e di medio livello. È una sfida in una città costosa come New York: trovare spazi grezzi al piano terra in zone come Chelsea è raro. Ciò che ci ha distinti fin dall’inizio è stato il desiderio condiviso, con le gallerie fondatrici, di ripensare il modello della fiera d’arte. L’abbiamo fatto proponendo un modello di condivisione dei profitti per i primi 4 anni, e coinvolgendo partner e collaboratori che credessero nel sostegno a una nuova generazione di dealer e artisti.

Nina: Qual è il ruolo del comitato curatoriale nella vostra fiera?

Rachel Mijareck Fick e Rebecca Laliberte: Questo è il secondo anno in cui collaboriamo con un comitato curatoriale, e siamo entusiaste di lavorare con la Dr.ssa Margarita Lila Rosa (storica dell’arte, critica e curatrice indipendente), Eden Deering (direttrice, PPOW), e Jenée-Daria Strand, Assistant Curator al Public Art Fund. Il comitato incarna il nostro impegno per la collaborazione, portando voci curatoriali nuove e ampliando le prospettive rappresentate in fiera. La loro esperienza ci aiuta a individuare ciò che è più rilevante nell’arte contemporanea e a connetterci con artisti ed espositori al di fuori della nostra rete diretta. Ogni membro è impegnato nel sostegno ad artisti e piccole gallerie, portando una comprensione sfumata e globale del settore. La loro presenza assicura che Future Fair resti dinamica, inclusiva e sintonizzata con ciò che è nuovo a New York e oltre.

Nina: Qual è l’elemento più entusiasmante della Future Fair quest’anno?

Rachel Mijareck Fick e Rebecca Laliberte: Quest’anno abbiamo annunciato il nostro impegno a donare il 15% dei proventi della fiera al nostro Pay-It-Forward Fund. Il fondo è un’iniziativa di mutuo soccorso che assegna borse per supportare nuovi partecipanti nelle future edizioni della fiera. Abbassando le barriere finanziarie, il fondo rafforza l’impegno di Future Fair per l’equità e la sostenibilità nell’ecosistema artistico. Il fondo è un’evoluzione del nostro modello di condivisione dei profitti, in cui abbiamo offerto alle gallerie fondatrici l’opportunità di aderire a un accordo cooperativo quadriennale. Molte hanno scelto di donare la propria quota al fondo, e così è nato! Ora che l’accordo è concluso, continueremo a finanziare il fondo attraverso la vendita di biglietti, sponsorizzazioni e contributi degli espositori.

Siamo anche entusiaste di presentare per la seconda volta il premio: 2025 Artlogic Best Booth Prize e 21C Museum Hotel Acquisition. Un artista sarà selezionato da 21C, che acquisirà una sua opera. Il premio è finanziato da Artlogic. Infine, siamo felici del ritorno di Less Than Half con The Matronage Salon, uno spazio di conversazione e programmazione dedicato al sostegno delle donne nelle arti. Avremo anche un pop-up culinario del Stowaway di Brooklyn, con piatti del Sud degli Stati Uniti, e birre in edizione limitata create da Grimm Artisanal Ales per l’anniversario.

Tutti i professionisti dell’arte che hanno conversato con me sopra creano il panorama artistico di New York, esemplificando le qualità di questa città folle, energica, eccitante, stancante e intensa. Alla prossima settimana dell’arte, New York!