Le strade che l'arte contemporanea può percorrere sono essenzialmente due. Entrambe rappresentano una logica continuazione del punto di vista odierno e si basano sul principio della domanda e dell'offerta definito da Adam Smith nel suo libro "The Inquiry into the Nature and Causes of the Wealth of Nations" del 1776.

Una possibile via per l'arte contemporanea potrebbe essere quella di restringerne fortemente l'accesso, tornando a un modello elitario. Se le persone fanno sforzi estremi per visitare “French Laundry” nella Napa Valley o “Le Cinq” al Four Seasons George V, attraversando fiumi a nuoto per arrivare su un'isola di cemento e assaggiare una particolare creazione di un determinato chef, perché allora lo stesso pellegrinaggio non dovrebbe avvenire per vedere una mostra super-limitata di Dana Schutz o Bony Ramirez o di qualsiasi altro artista vivente, che non sia una megastar come Anselm Kiefer o Ai Weiwei? Un esempio di tale iper-esclusività meditativa potrebbe essere tratto dal famoso 'Six Persimmons', un rotolo giapponese del XIII secolo dipinto con inchiostro su carta dal monaco cinese Muji e successivamente donato al tempio Daitokuji Ryokoin. Oggi, quest'opera storica è visibile al pubblico solo per un giorno all'anno.⁴ Immaginate se l'arte contemporanea potesse essere esposta in modo simile, se potessimo ammirarla solo una settimana all'anno: il concetto di 'perché preoccuparsi' potrebbe diventare obsoleto. [Si ricorda che questa è una riflessione speculativa.]

Un'altra strada, più realistica, sarebbe quella di far diventare gli artisti dei marchi. Questo processo è, in parte, già iniziato. Perché gli artisti non dovrebbero creare una propria linea di abbigliamento, una linea di occhiali da sole, una linea di prodotti alimentari e una linea di shampoo? Tutto verrebbe prodotto sotto un unico nome e un'unica estetica. Ma questo approccio solleverebbe anche questioni riguardo a chi definirà i nomi e le tipologie. Forse gli artisti potrebbero assumere caratteristiche simili a quelle dei marchi musicali, ognuno con la propria identità, i propri produttori e il proprio pubblico. Non è forse questa la realtà che stiamo già vivendo: un panorama fatto di etichette, richiami culturali noti e traiettorie consolidate? Il fattore di scoperta, così importante per i collezionisti, sarà comunque preservato. Mostre focalizzate su questa tipologia di branding sono già in corso a New York e Londra. Se l'arte contemporanea desidera mantenere il suo fascino per il pubblico di massa, deve ristrutturare il proprio ruolo. Piuttosto che cercare di diventare un prodotto aziendale, costantemente influenzato dagli eventi, dovrebbe essere reinventata.

Una questione fondamentale è quella del valore. Dove possiamo ancora trovarlo? Può essere ridefinito? È possibile mantenere il senso e il significato dell'arte mentre si trasforma in una merce con un'offerta ampia o limitata?

Quattro brevi interviste seguono questo saggio per vedere cosa pensano i professionisti del settore di queste possibilità. Margot Samel e Olga Temnikova hanno debuttato con successo alla fiera d'arte Esther all'inizio di quest'anno a New York. Logan T. Sibrel è un artista di New York che sta per affermarsi a livello globale. Un gallerista e un collezionista concluderanno la serie con le loro risposte.