Failing Art System?

Feat. Autore: Nina Chkareuli-Mdivani 15.08.24

Una rapida ricerca su Google sul numero di gallerie a New York indica che attualmente ce ne sono 1.500,il che si traduce approssimativamente in 18.000 mostre all'anno che si svolgono solo in questa città. Le osservazioni e le considerazioni che seguono si concentrano su New York, ma potrebbero essere applicate anche ad altri Paesi. In questa città, gli artisti lamentano l'alta competitività del settore, mentre i galleristi segnalano la saturazione del mercato e la crescente disaffezione dei collezionisti. Le istituzioni si lamentano della mancanza di fondi2 e noi tutti ci lamentiamo della diminuzione dei livelli di cultura e di istruzione e del fatto che le tecnologie, come l'intelligenza artificiale, stanno prendendo il sopravvento sulle nostre vite. Tuttavia, i collezionisti apprezzano la proliferazione dei dipinti figurativi e continuano ad acquistarli.3

Le strade che l'arte contemporanea può percorrere sono essenzialmente due. Entrambe rappresentano una logica continuazione del punto di vista odierno e si basano sul principio della domanda e dell'offerta definito da Adam Smith nel suo libro "The Inquiry into the Nature and Causes of the Wealth of Nations" del 1776.

"Le Cinq" Haute Cuisine Restaurant, Hotel Four Seasons George V, Paris. "Le Cinq" Haute Cuisine Restaurant, Hotel Four Seasons George V, Paris.

Una possibile via per l'arte contemporanea potrebbe essere quella di restringerne fortemente l'accesso, tornando a un modello elitario. Se le persone fanno sforzi estremi per visitare “French Laundry” nella Napa Valley o “Le Cinq” al Four Seasons George V, attraversando fiumi a nuoto per arrivare su un'isola di cemento e assaggiare una particolare creazione di un determinato chef, perché allora lo stesso pellegrinaggio non dovrebbe avvenire per vedere una mostra super-limitata di Dana Schutz o Bony Ramirez o di qualsiasi altro artista vivente, che non sia una megastar come Anselm Kiefer o Ai Weiwei? Un esempio di tale iper-esclusività meditativa potrebbe essere tratto dal famoso 'Six Persimmons', un rotolo giapponese del XIII secolo dipinto con inchiostro su carta dal monaco cinese Muji e successivamente donato al tempio Daitokuji Ryokoin. Oggi, quest'opera storica è visibile al pubblico solo per un giorno all'anno.4 Immaginate se l'arte contemporanea potesse essere esposta in modo simile, se potessimo ammirarla solo una settimana all'anno: il concetto di 'perché preoccuparsi' potrebbe diventare obsoleto. [Si ricorda che questa è una riflessione speculativa.]

Sony Music Entertainment, sede operativa. Sony Music Entertainment, sede operativa.

Un'altra strada, più realistica, sarebbe quella di far diventare gli artisti dei marchi. Questo processo è, in parte, già iniziato. Perché gli artisti non dovrebbero creare una propria linea di abbigliamento, una linea di occhiali da sole, una linea di prodotti alimentari e una linea di shampoo? Tutto verrebbe prodotto sotto un unico nome e un'unica estetica. Ma questo approccio solleverebbe anche questioni riguardo a chi definirà i nomi e le tipologie. Forse gli artisti potrebbero assumere caratteristiche simili a quelle dei marchi musicali, ognuno con la propria identità, i propri produttori e il proprio pubblico. Non è forse questa la realtà che stiamo già vivendo: un panorama fatto di etichette, richiami culturali noti e traiettorie consolidate? Il fattore di scoperta, così importante per i collezionisti, sarà comunque preservato. Mostre focalizzate su questa tipologia di branding sono già in corso a New York e Londra. Se l'arte contemporanea desidera mantenere il suo fascino per il pubblico di massa, deve ristrutturare il proprio ruolo. Piuttosto che cercare di diventare un prodotto aziendale, costantemente influenzato dagli eventi, dovrebbe essere reinventata.

Art Basel 2013, Basilea, Svizzera. Art Basel 2013, Basilea, Svizzera.

Una questione fondamentale è quella del valore. Dove possiamo ancora trovarlo? Può essere ridefinito? È possibile mantenere il senso e il significato dell'arte mentre si trasforma in una merce con un'offerta ampia o limitata?

Quattro brevi interviste seguono questo saggio per vedere cosa pensano i professionisti del settore di queste possibilità. Margot Samel e Olga Temnikova hanno debuttato con successo alla fiera d'arte Esther all'inizio di quest'anno a New York. Logan T. Sibrel è un artista di New York che sta per affermarsi a livello globale. Un gallerista e un collezionista concluderanno la serie con le loro risposte.

Immagine di copertina: Stand Galleria Hans Meyer, Art Basel, Basilea, Svizzera.

1.https://data.cityofnewyork.us/Recreation/New-York-City-Art-Galleries/tgyc-r5jh

2.https://www.nytimes.com/2024/06/28/arts/design/fotografiska-new-york-city-museums-closures.html

3.https://www.larryslist.com/artmarket/the-talks/why-this-real-estate-broker-collects-only-figurative-paintings/

4.https://www.nytimes.com/2023/11/21/arts/design/six-persimmons-zen-paintings-san-francisco.html

Autore Nina Chkareuli-Mdivani

Nina Chkareuli-Mdivani è una curatrice, scrittrice e ricercatrice indipendente di origine georgiana e residente a New York. È autrice di King is Female (2018), la prima pubblicazione che indaga le questioni dell'identità di genere nel contesto della trasformazione storica, sociale e culturale dell'Europa orientale negli ultimi due decenni. Nel corso della sua carriera ha tenuto conferenze in tutto il mondo e pubblicato numerosi articoli per riviste come E-flux, Hyperallergic, Flash Art International, Artforum, MoMa.post, The Arts Newspaper e molte altre. 


La sua ricerca si addentra nell'intersezione tra storia dell'arte, museologia e studi sulla decolonizzazione, con particolare attenzione all'arte totalitaria e alla teoria del trauma, temi che ha esplorato anche nelle oltre dieci mostre che ha curato a New York, in Germania, Lettonia e Georgia.

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