Lillie P. Bliss and the Birth of the Modern al Museum of Modern Art presenta quaranta opere straordinarie dalla collezione di Bliss, tra cui dipinti e lavori su carta di Paul Cézanne, Odilon Redon, Georges-Pierre Seurat e Pablo Picasso. Bliss fu una delle prime sostenitrici dell’arte europea moderna a New York negli anni ’20 e ’30 e, nel 1929, insieme ad Abby Aldrich Rockefeller e Mary Quinn Sullivan, fondò il Museum of Modern Art. Alla sua morte nel 1931, la sua collezione divenne una parte fondamentale del museo.

Ciò che colpisce è l’audacia di questa raccolta, incredibilmente avanti rispetto al suo tempo. Quando alcuni di questi lavori di Cézanne furono esposti al pubblico newyorkese nella rivoluzionaria Loan Exhibition of Impressionist and Post-Impressionist Paintings al Metropolitan Museum of Art nel 1921, un gruppo chiamato Committee of Citizens and Supporters of the Museum denunciò il modernismo come “un culto, satanismo e una forma di follia.” Eppure, la visione di Bliss è sopravvissuta, così come il museo che ha contribuito a fondare.

Si può solo sperare in un mecenatismo artistico altrettanto coraggioso ai giorni nostri.

Nick Cave: Amalgam and Graphs alla Jack Shainman Gallery è una mostra epica delle nuove opere dell’artista, allestita nel sontuoso spazio inaugurale della galleria a Tribeca. Tre grandi sculture in bronzo intitolate Amalgams fungono da pilastri dell’esposizione, ospitata in un edificio storico del 1898, originariamente costruito per la New York Life Insurance Company. Con i suoi soffitti a cassettoni e le finestre ad arco, eredità dell’Età dorata americana, l’architettura crea un inaspettato dialogo con l’arte di Cave. Amalgam (Origin), alto otto metri e valutato due milioni di dollari, rappresenta un’evoluzione monumentale dei celebri Soundsuits di Cave. La figura, ricoperta da meraviglie naturali di ogni tipo, si staglia in contrasto con un ambiente storicamente legato all’establishment tradizionale. Ma come possiamo leggere questa ambiguità morale?

Un artista nero di grande successo che espone in uno spazio che, per gran parte della sua esistenza, ha escluso le persone non bianche, supera ogni barriera razziale e socioeconomica? È una trasgressione radicale o una naturale dissoluzione dei confini razziali? La galleria lascia volutamente aperta la domanda.

Chris Martin: Speed of Light alla Timothy Taylor esplora un’altra dimensione di novità e reinvenzione. Con una carriera di oltre cinquant’anni, Martin, oggi settantenne, ha affinato un linguaggio universale che comunica tanto attraverso simboli riconoscibili quanto con forme astratte pure.
Le sue sei grandi atmosfere paesaggistiche ci invitano a un viaggio tra fantasia, infanzia e sogno, o a un’analisi delle dinamiche dell’astrattismo modernista—sta a noi scegliere. La novità risiede nel suo approccio diretto all’ignoto, senza paura né esitazione. Questo maestro del segno gestuale e del grande formato trasmette una sensibilità inedita, non dissimile da quella che Cézanne o Picasso cercavano di esprimere affrontando il loro sconosciuto.

Se in passato Martin ha incorporato detriti urbani come giornali, copertine di dischi e materiale medico, qui raggiunge una comunione più pura con l’ignoto, abbracciandolo con serenità. Questa apertura mentale, proveniente da un artista maturo, risulta straordinariamente affascinante.

Siamo alla ricerca di nuovi significati nei sistemi politici, nelle ideologie, nelle culture e nelle espressioni visive. Queste tre mostre testimoniano questa ricerca e ci spronano ad andare avanti, nella speranza che con determinazione e coraggio possano emergere nuovi orizzonti.